L'Homme qui aimait les femmes est un film de François Truffaut réalisé en 1977, avec pour acteur principal Charles Denner.

Bertrand Morane (Charles Denner) est un homme qui aime les femmes, toutes les femmes. La vision d’un genou, d’un mollet ou d’un mouvement féminin est sa seule raison de vivre. Il décide d'y consacrer un livre en s'inspirant de ses expériences personnelles.

Avant de confier le rôle principal de L'Homme qui aimait les femmes au comédien Charles Denner, François Truffaut l'a engagé pour des rôles secondaires dans La mariée était en noir en 1967 et Une belle fille comme moi en 1972. À partir d’un scénario original écrit par le cinéaste, François Truffaut exprimait en 1977 sa fervente admiration pour les femmes, qu’il a toujours aimées passionnément et placées au centre de son œuvre. L’homme qui aimait les femmes n’est cependant pas l’histoire d’un séducteur. Le film raconte avec humour et gravité les tribulations d’un véritable esthète, qui a, certes, de nombreuses maîtresses, mais les aime toutes sincèrement, chacune pour une raison bien spécifique. Un simple geste, une image furtive d’un genou ou d’une épaule lui fait perdre la raison, et il n’a alors de cesse de rencontrer la dame et de la posséder. Double de François Truffaut dans le film, Charles Denner reprenait le nom de Bertrand Morane, qu’il portait déjà dans La mariée était en noir du même réalisateur. La personnalité très particulière de l’acteur et la pléiade de jolies actrices qui apparaissent à l’écran (Brigitte Fossey, Geneviève Fontanel, Nathalie Baye, etc.) confère à cette tragi-comédie un charme fou (source: fnac).

Certaines phrases de ce film sont savoureuses: "Les jambes des femmes sont des compas qui arpentent le monde en tout sens et qui lui donnent son équilibre et son harmonie" ou celle d'un docteur: "On ne peut pas faire l'amour du matin au soir, c'est pour cela qu'on a inventé le travail...". Comme souvent, Truffaut aime faire découvrir au spectateur une profession particulière, en l'occurrence celle d'écrivain et d'éditeur (on retrouve ce penchant dans plusieurs de ses films via la passion de Truffaut pour les maquettes). Il aime également développer un thème abordé dans d'autres films, à l'instar de sa passion pour les jambes, que Trintignant ne se lasse pas de regarder à travers un soupirail dans Vivement dimanche. Blake Edwards a fait un (mauvais) remake de ce film en 1983, qui fut traduit en français par le déplorable "L'homme à femmes" pour éviter la confusion avec le film de Truffaut. C'est n'avoir rien compris, car Denner campe l'inverse d'un "homme à femmes", d'un séducteur de supermarché dont le seul but serait de multiplier les conquêtes. C'est un homme "qui aime les femmes", jusque dans leurs petits défauts, qui aime leur présence ou au moins, leur vision.La différence est de taille. Savoureuse phrase de Denner: "Mais qu'est-ce qu'elles ont, toutes ces femmes? Qu'est-ce qu'elles ont de plus que toutes celles que je connais? Eh bien justement ce qu'elles ont de plus, c'est qu'elles sont des inconnues."

Truffaut déclara: "Nous avons écrit, Suzanne Schiffman, Michel Fermaud et moi, le scénario de L'homme qui aimait les femmes, à l'intention de Charles Denner et par admiration pour lui. J'ai demandé à Brigitte Fossey, Leslie Caron, Nelly Borgeaud, Geneviève Fontanel, Nathalie Baye, Sabine Glaser, Valérie Bonnier et de nombreuses belles Montpelliéraines d'être celles qu'il a tenues dans ses bras. Si une phrase pouvait servir de dénominateur commun aux amours de Bertrand, ce serait celle-ci, de Bruno Bettelheim dans "La Forteresse Vide" : "Il apparut que Joey n'avait jamais eu de succès auprès de sa mère".

L'excellent Charles Denner porte ce film grâce à son charisme et à sa voix délicieusement suave. Drôle et attendrissant dans son rapport aux femmes, inverse absolu de "l'homme à femmes". Le film ne contient aucune scène osée: l'instant érotique est, pour Morane, celui où ses yeux se fixent sur des jambes en mouvement. Après avoir déclaré son amour à la littérature dans Fahrenheit 451 et son amour au cinéma dans La Nuit américaine, Truffaut s'attèle à son autre passion qui est celle des femmes. Grand séducteur, on peut trouver une analogie logique entre Bertrand Morane et François Truffaut. Celui-ci signe une réalisation de bonne facture, qui s'appuie en partie sur l'originalité de la construction narrative.

Le film a déchaîné les foudres féministes à sa sortie en 1977. Une critique de Pariscope le qualifia même  d'«inventaire de pièces détachées exhibant des veaux (les bonnes femmes) par pièces de quatorze». Critique  imbécile, car si on cherche absolument à dégager un message on pourrait aussi bien y voir un hommage  appuyé à la femme. Morane n'a rien d'un collectionneur de conquêtes, il aime les femmes -ou plutôt la femme- sous toutes ses formes. Davantage qu'un séducteur compulsif, c'est un grand enfant à la quête de l'éternel féminin, à travers le prisme de l'idéal maternel. Pour Morane/Truffaut, l'amour des femmes naît de la figure cruellement absente de la mère. Blessure profonde qui accorde une facette  tragique et joyeuse à ce tourbillon de conquêtes. 

On retrouve sensiblement ce thème (inversé) dans La Promesse de l'aube de Romain Gary, dont le titre s'analyse comme la promesse que la vie fait parfois en offrant dès le plus jeune âge un amour maternel passionné et inconditionnel : promesse non tenue, puisqu'on ne rencontre jamais plus une femme capable d'un tel amour. Place à cet admirable auteur, qui lui aussi aurait pu incarner cet "homme qui aimait les femmes" : « Avec l'amour maternel, la vie vous fait à l'aube une promesse qu'elle ne tient jamais. On est obligé ensuite de manger froid jusqu'à la fin de ses jours. Après cela, chaque fois qu'une femme vous prend dans ses bras et vous serre sur son cœur, ce ne sont que des condoléances. On revient toujours gueuler sur la tombe de sa mère comme un chien abandonné. Jamais plus, jamais plus, jamais plus. Des bras adorables se referment autour de votre cou et des lèvres très douces vous parlent d'amour, mais vous êtes au courant. Vous êtes passé à la source très tôt et vous avez tout bu. Lorsque la soif vous reprend, vous avez beau vous jeter de tous côtés, il n'y a plus de puits, il n'y a que des mirages. Vous avez fait, dès la première lueur de l'aube, une étude très serrée de l'amour et vous avez sur vous de la documentation. Je ne dis pas qu'il faille empêcher les mères d'aimer leurs petits. Je dis simplement qu'il vaut mieux que les mères aient encore quelqu'un d'autre à aimer. Si ma mère avait eu un amant, je n'aurais pas passé ma vie à mourir de soif auprès de chaque fontaine. Malheureusement pour moi, je me connais en vrais diamants » (Romain Gary, La Promesse de l'aube).

Note: 17/20

Folies de femmes est un film réalisé par Erich von Stroheim en 1922.

Le Comte russe Sergius Karamzin (Erich von Stroheim) et ses deux cousines les princesses Olga (Maud George) et Vera (Mae Bush) sont en exil dans une villa de Monte-Carlo. Sans un sou, ils se livrent au trafic de fausse monnaie. Lorsqu'ils apprennent que l'ambassadeur américain (Rudolph Christians) et son épouse (Miss Dupont) se trouvent à  Monte-Carlo, ils décident que le Comte séduira cette dernière afin de s'introduire dans ce milieu prestigieux et de pouvoir écouler les faux billets en toute tranquillité. Sergius Karamzin joue parfaitement son rôle, mais l'ambassadeur américain ne l'apprécie guère et se méfie de lui.

La durée de ce film varie selon les copies. A l'origine, von Stroheim avait fait un premier montage de plus de 8h, bien vite réduit malgré lui à 1h30 environ. Aujourd'hui, la version la mieux équilibrée et la plus respectueuse du travail de von Stroheim dure environ 2h30. En 2008, le film est rentré dans le National Film Registry pour conservation à la Bibliothèque du Congrès aux États-Unis. Erich von Stroheim n'est autre que l'officier allemand dans La Grande illusion de Jean Renoir ou le majordome dans Sunset Boulevard de Billy Wilder. Vous trouverez ces deux films sur classiquesducinema.com.  A noter, pour ceux qui en doutaient encore: tourné en 1922, Folies de femmes est donc nécessairement un film muet. Il peut sembler inhabituellement long. Et pourtant, son autre réalisation Les Rapaces avoisine les 4h!

Avec Folies de femmes, Erich von Stroheim est considéré comme le premier maître de l'ironie de l'Histoire du cinéma. Après onze mois de tournage, lassé des rallonges de budget sans cesse réclamées de façon impérative, le producteur Carl Laemmle envoya son assistant, le jeune Irving Thalberg (22 ans) à Hollywood pour arrêter de force le tournage. C'est le premier film dont le budget fut supérieur à un million de dollars, un bon tiers de cette somme ayant été affectée à la reconstitution de la place centrale de Monte-Carlo dans le parc des Studios Universal. Dans ce décor, il fit évoluer jusqu’à quatorze mille figurants. Le film fut un succès mais Universal ne voulut plus faire travailler Erich von Stroheim, jugé incontrôlable.

Comme on l’imagine aisément, le film déclencha des vives réactions et protestations. On lui reprochait d’avilir la femme et d’encourager la dépravation. Le fait que la « victime » du comte soit une femme américaine occasionna des réactions épidermiques des exploitants de salles aux Etats-Unis qui parfois taillèrent dans le film ou changèrent certains intertitres : la jeune femme n’était ainsi plus présentée comme la femme d’un représentant du peuple américain. Rudolph Christians, l’acteur qui interprète le diplomate américain, mourut d’une pneumonie pendant le tournage. Il fut habilement remplacé par Robert Edeson dans certaines scènes. Il est assez difficile de dire exactement lesquelles (source: l'oeil sur l'écran).

Folies de femmes est sorti la même année que Nosferatu de Murnau. Mais si ce dernier a terriblement vieilli, ce n'est pas le cas pour la réalisation de von Stroheim. Contre toute attente, les 2h30 de ce film muet passent comme une lettre à la poste. Pour cause, il nous offre une réalisation parfaite, bourrée de charme mais sans pitié pour la haute société d'entre-deux-guerres. Les gentlemen, oisifs et engoncés dans leurs superbes uniformes qui ne signifient plus rien sont si caricaturaux qu'ils valurent à von Stroheim le titre de premier maître de l'ironie dans l'Histoire du cinéma. Folies de femmes est l'un des films majeurs de ce réalisateur, qui s'y impliqua entièrement puisqu'il est à la fois auteur du scénario, metteur en scène et acteur principal. Sa prestation d'acteur est bluffante. Drôle, cynique, risible, immoral: il porte le film à lui tout seul dans un climat très particulier qui mêle grand luxe et décadence. Le film est en quelque sorte marqué par la démesure et la mégalomanie de son auteur, mais aussi par sa personnalité, ce qui a pour effet de lui donner une âme: 90 ans après, Folies de femmes se regarde toujours avec plaisir.

Pour l'anecdote, aucun film de von Stroheim n'est visible tel qu'il l'imaginait à l'origine. Trop longs, tournés avec un excessif goût du détail, ils ont tous été coupés, mutilés voire censurés. C'est notamment le cas pour Folies de femmes. Mais la version d'Arthur Penning, considérablement réduite par rapport au premier montage (d'environ 8h à 2h20) est néanmoins parfaitement équilibrée. C'est, paraît-il, la plus respectueuse des intentions de von Stroheim, à voir en priorité donc.

A noter: ne regardez pas les résumés proposés sur internet (wikipédia, allociné), ils dévoilent  presque toujours -et bien maladroitement- une partie de l'intrigue!

Conclusion: mordant et soigné, très bien interprété par le magistral Erich von Stroheim lui-même, ce film muet est un petit bijou.

Note: 18/20

Nous apprenons avec une profonde tristesse que l'excellent acteur Julien Guiomar n'est plus.

Les classiques du cinéma saluent cet excellent acteur, qui comptait parmi les plus grands.

Un hommage lui sera très bientôt rendu.

Que la bête meure est un film réalisé en 1969 par Claude Chabrol, avec Michel Duchaussoy et Jean Yanne.

Charles Thénier (Michel Duchaussoy) est un écrivain pour enfants qui décide de venger son fils, mort sous les roues d'un chauffard. Bientôt, son enquête le mène jusqu'au coupable, un garagiste nommé Paul Decourt (Jean Yanne). Intrigué par ce personnage, il devient un intime de la famille et découvre un homme abject,  haï de tous.

Que La bête meure est une adaptation du roman de Nicholas Blake.

L'histoire tourne autour d'un père fou de douleur qui entend se venger du lâche assassin de son fils («Je vais tuer un homme. Je ne connais ni son nom, ni son adresse, ni son apparence. Mais je vais le trouver et le tuer.»).

Michel Duchaussoy, remarqué avec Jeu de massacre obtient ici son second premier rôle, tandis que Jean Yanne, remarqué ici en tant que second rôle, avait obtenu auparavant l'une de ses premières grandes interprétations dans Week-end de Jean-Luc Godard. Selon Eric Libiot, Que la bête meure, "une des oeuvres phares de Claude Chabrol", n'a pas pris une ride, la confrontation entre un père et le meurtrier de son fils est un "modèle du genre". Le face-à-face entre les deux hommes est féroce et complexe, nuancé d'une réflexion morale sur la légitimité de la vengeance et de la condamnation (Source: Wikipédia). Les critiques considèrent Que la bête meure comme le chef-d’œuvre chabrolien, celui-là même qui permit au cinéaste et à Jean Yanne de se retrouver peu de temps après pour un autre sommet du genre : Le boucher (1970).

Scène à retenir: le repas familial, véritable jeu de massacre dans lequel Jean Yanne s'en donne à coeur joie (cf extrait).

Sans tomber dans l'hommage dégoulinant, il y a un peu de Hitchcock et de Fritz Lang dans ce Chabrol. Hitchcock  pour la mise en scène au cordeau, faite de silence et   d'atmosphère pesante, Lang pour le thème de la culpabilité mise à nu. Mais il y a aussi et surtout beaucoup de Chabrol: l'ambiguïté dont il est si friand dans ses autres réalisations prédomine, au point que si les personnages semblent caricaturaux de prime abord (le père qui veut venger son fils, l'assassin qui n'est qu'un salaud), le réalisateur se hâte ensuite de brouiller les pistes. Le père est manipulateur, alors que l'ignoble Jean Yanne s'avère être le seul personnage vraiment franc dans cette petite famille bourgeoise. Chabrol amène ainsi le spectateur à reconsidérer sa vision formatée des choses et des gens en opèrant une remise en question systématique qui conduit le spectateur de la plus évidente certitude (un père se doit de venger la mort de son fils) au questionnement le plus opposé (le "justicier" est-il fondamentalement différent du criminel qu'il traque?). Ce n'est pas un hasard si le film se clôt par cette phrase  : « Il existe un chant sérieux de Brahms qui paraphrase l'Ecclésiaste : "Il faut que la bête meure ; mais l'homme aussi. L'un et l'autre doivent mourir." ».

Mention spéciale à Jean Yanne, qui incarne parfaitement cette "bête" sans scrupule, parfois plus animal qu'humain. Ce superbe acteur contribue grandement à la réussite du film.

Un seul mot à retenir pour qualifier cette oeuvre: inconfortable. Et c'est trop rare, au cinéma, pour ne pas être applaudi.

Note: 15/20

Les Lumières de la ville est un film réalisé par Charlie Chaplin en 1931, dans lequel celui-ci tient le rôle principal.

Un vagabond (Charlie Chaplin) erre dans les rues d'un centre ville, sans but, quand il apercoit une jeune et belle fleuriste aveugle (Virginia Cherrill). Troublé, le vagabond recherche la solitude au bord du fleuve. Mais il est interrompu dans ses rêveries par un millionnaire (Harry Myers) qu'il sauve du suicide. Ensemble, ils font la noce toute la nuit, mais au petit matin le millionnaire ne se souvient de rien et se montre nettement moins généreux. Le vagabond déambule alors à nouveau dans les rues. Désespéré de ne plus voir la jeune femme,il apprend qu'elle est tombée malade, et se résout alors à demander de l'aide au millionnaire.

La production du film s'étale sur trois ans, dont 534 jours de tournage. La scène au cours de laquelle la fleuriste aveugle prend le vagabond pour un homme riche a notamment nécessité rien de moins qu'un record de 324 prises, pour ne trouver sa version définitive qu'au dernier jour de tournage. La richesse n'étant pas a priori un état perceptible par d'autres sens que la vue, Chaplin a en effet dû déployer tous les ressorts de son talent de metteur en scène pour imaginer un concours de circonstances suffisamment crédible. La scène de l'élévateur devant le magasin d'antiquité a été préférée au montage à une autre scène au cours de laquelle le vagabond joue avec un morceau de bois coincé dans une grille d'aération sans parvenir à l'y glisser. La foule curieuse s'amasse bientôt autour de lui et un employé derrière sa vitrine, très docte, lui explique par gestes, la méthode la plus rationnelle pour faire tomber le bout de bois. Toute la séquence de boxe est inspirée du court métrage Charlot boxeur. L'attente dans le vestiaire durant laquelle le vagabond prend conscience de la violence des combats en voyant revenir les perdants inanimés et le combat lui-même, lorsqu'il tire parti de tous les moyens qui sont mis à sa disposition (l'arbitre, les cordes ...) pour éviter les coups de son adversaire, figurent déjà dans ce précédent film de Chaplin. La séquence est néanmoins enrichie de nouveaux gags ainsi que d'une intrigue et d'une mise en scène plus soignées. (Source informations: wikipédia). Le désintérêt de Virginia Cherrill pour son rôle de fleuriste pousse Chaplin à renvoyer l'actrice. Après des essais catastrophiques avec Georgia Hale (personnage féminin principal de La Ruée vers l'Or), le cinéaste engage à nouveau l'actrice renvoyée... contre une hausse de salaire! (Source: Allocine)

Séquences à retenir: l'inauguration solennelle de la statue de la prospérité, sur laquelle dort Charlot le vagabond. La rencontre avec la fleuriste. Les soirées de Charlot et du millionnaire, ivres. La scène où Charlot sort de la Rolls du millionnaire et se précipite sur un cigare jeté à terre, devant les yeux éberlués d'un vagabond.

Persuadé que la parole allait gâcher la beauté du cinéma, Charlie Chaplin, infatigable défenseur du mime, déplorait l'arrivée du son et décida de l'ignorer. En 1928, lors de l'avènement révolutionnaire de ce nouveau moyen technique, c'était prendre beaucoup de risques. D'autant que le tournage s'est terminé en 1930, et que le film ne fut présenté qu'en 1931. Les Lumières de la ville a été tourné dans une attitude de défi, et fut présenté comme une "comédie romanesque en pantomime". Ce qui n'empêcha pas Charlie Chaplin d'y ajouter des effets sonores et de composer sa propre partition (il dirigea même l'orchestre). Ainsi que de s'improviser distributeur: il engagea alors son argent pour louer une salle à New-York. C’est donc par l’image que passe la majorité des gags du film, Chaplin déployant toute la palette de son génie burlesque. D’un début en fanfare où, sur une statue, il livre un génial numéro de pantomime à une scène de boxe aujourd'hui connue de tous, les images frappent plus que le son n'aurait su le faire. Monument d'équilibre entre le rire et les larmes, cette histoire simple est racontée dans un style dépouillé, celui des grands classiques. Mais il ne faut pas s'y tromper: chaque détail a son importance, et résulte d'un long et fastidieux travail d'analyse (324 prises pour la scène de la rencontre avec la fleuriste! Un métrage de pellicule égal à cent ou cent cinquante fois le métrage du film définitif!). Une fois de plus, et peut-être plus que jamais, Chaplin touche et séduit, malgré un comique de répétition parfois lassant.

Note: 18/20

  Le vagabond et la fleuriste